Taro Okamoto y el polarismo en el arte: capas multiculturales ocultas en las naciones

Por qué Taro Okamoto sigue siendo relevante

Una animada retrospectiva en París este verano volvió a situar a Taro Okamoto en el centro de la conversación artística mundial. Este pionero japonés de la vanguardia sostuvo a mediados del siglo XX que el arte crece cuando chocan los opuestos. Llamó a esta idea polarismo. Su propuesta no buscaba una armonía impecable ni una síntesis de buen gusto. Exigía fricción, impacto y vitalidad. Esta postura resulta actual en un momento en que las identidades culturales se están renegociando en galerías, espacios en línea, aulas y plazas públicas. Okamoto pidió a artistas y públicos que dejaran de tratar la tradición como un reglamento de museo y buscaran energía en lugares que durante mucho tiempo fueron considerados marginales o primitivos.

También insistió en que una nación nunca es una sola cosa. Japón, dijo, albergaba al menos dos poderosas tradiciones estéticas que rara vez convivían. Una favorece el refinamiento y la contención, el gusto que hoy se conoce como wabi sabi. La otra es más antigua, estridente e indómita, y se manifiesta en las espirales exuberantes de la cerámica Jomon y en las enigmáticas figuras dogu. Este argumento tiene resonancia mucho más allá de Japón. Muchos países proyectan una imagen de unidad mientras albergan maneras de ver el mundo ocultas e incluso opuestas. Es un buen momento para volver a Okamoto. Japón se prepara para la Expo 2025 en Osaka, mientras los residentes de más edad recuerdan la Expo 70, cuando Okamoto creó la Torre del Sol. Una nueva exposición universal recibirá a millones de visitantes entre el 13 de abril y el 13 de octubre de 2025, con un tema centrado en el diseño de la vida. Vuelve el debate sobre cómo presentar la identidad nacional a un público mundial.

Qué significa el polarismo en el arte

El polarismo tomó forma en una conferencia de 1950, en la que Okamoto rechazó la idea de que el arte debe reconciliar influencias hasta alcanzar una armonía apacible. Propuso que fuerzas enfrentadas pueden coexistir en una misma obra, y que cada una mantiene viva a la otra. El artista no busca el equilibrio por sí mismo. Cultiva la tensión. Esto no era nihilismo, sino una ética de la vitalidad. Okamoto incorporó enseñanzas del surrealismo en París y de sus estudios de antropología. Sabía que la vida moderna es una maraña de ritmos, tecnologías y recuerdos. En lugar de pulir esas contradicciones, el polarismo las convierte en una fuente de formas.

Contra la armonía fácil

A mediados del siglo XX, la idea de armonía tenía un peso especial en Japón. El wabi sabi, gusto vinculado a la estética de la ceremonia del té y a la práctica zen, valoraba la irregularidad, la pátina y la quietud. También se convirtió en una fórmula práctica para describir el carácter nacional. A Okamoto le preocupaba que esta única historia se hubiera consolidado como norma. Cuando una cultura empieza a seleccionar solo lo que encaja con el estado de ánimo preferido, sostenía, los artistas dejan de ver toda la amplitud de su legado. El polarismo se oponía a esa tendencia. Pedía a los espectadores que prestaran atención a la belleza de las cosas que no encajan.

La discordia como energía creativa

Los lienzos y esculturas de Okamoto no buscan un acuerdo cortés. Los colores chocan, las formas se retuercen y los rostros sonríen con amenaza o alegría. Creía que el choque podía generar nuevos mitos para una sociedad de posguerra. En un estudio, la discordia puede ser un método. Se pueden combinar dos lenguajes en una misma composición, colocar un motivo ceremonial junto a un accidente industrial o dejar que un material marque a otro. La fricción resultante puede transmitir una intensidad que el gusto cortés no puede aportar.

Romper el hechizo del wabi sabi

En 1952, Okamoto instó a los artistas a romper el hechizo del wabi sabi. No lo desestimaba por débil o falso. Sostenía que había llegado a dominar demasiado. El gusto por la sobriedad había sofocado otras energías autóctonas. Señaló una tradición clásica más discreta, vinculada a la cerámica del período Yayoi. También destacó otra mucho más antigua, la tradición Jomon, en la que la arcilla cocida estalla en cordones, llamas y protuberancias. El contraste era marcado: refinamiento y sosiego por un lado, exuberancia y exceso por el otro.

Al devolver la atención a esa segunda tradición, Okamoto ofreció un mapa a los artistas que se sentían atrapados en un único estado de ánimo nacional. Les pidió que estudiaran las partes del pasado que les resultaran ajenas y dejaran que esas fuerzas sacudieran su práctica. El objetivo no era viajar en el tiempo, sino renovarse. Su provocación sigue ayudando a los jóvenes artistas que lidian con las expectativas de las instituciones sobre lo japonés, irlandés, mexicano u otras identidades.

La vitalidad Jomon y los ecos prehistóricos

Las vasijas Jomon pueden parecer criaturas vivas. Gruesos cordones de arcilla se enroscan y se elevan. Las aberturas se despliegan como llamas. La superficie está cubierta de nudos y crestas. Pequeñas figuras, a menudo femeninas o de animales, miran de frente con ojos saltones. Los arqueólogos las llaman dogu. Para Okamoto, estas formas tenían dos virtudes: conservaban recuerdos de rituales y de la tierra, y transmitían un intenso espíritu de invención que respondía al deseo moderno de espontaneidad e impacto.

Considerar moderno el arte Jomon fue una postura radical en la década de 1950. Cuestionaba la suposición de que el futuro del arte japonés debía apoyarse en un minimalismo cortés. Okamoto decía que el pasado contiene muchos futuros y que uno de ellos es tosco, ruidoso y lleno de intensidad. Hoy, muchos museos presentan objetos Jomon junto a instalaciones contemporáneas, una perspectiva curatorial que debe mucho a este argumento.

México, los vínculos precolombinos y un modernismo global

En 1967, Okamoto viajó a México. Exploró ciudades antiguas y colecciones de museos, y empezó a rastrear afinidades entre el Japón prehistórico y Mesoamérica. Vio un vínculo en la manera en que la escultura ritual ocupa el espacio y en el gusto de ambas tradiciones por los seres compuestos. No afirmaba que hubiera una influencia directa. Buscaba energías, el impulso que surge cuando una forma reúne dos estados a la vez: lo sagrado y lo lúdico, lo humano y lo animal.

El viaje tuvo lugar en un momento propicio. El arte de posguerra recurría cada vez más a prácticas y argumentos de alcance mundial. Artistas mexicanos, entre ellos figuras vinculadas al escultor y pensador Mathias Goeritz, exploraban cómo la historia y la emoción podían dar forma al espacio público. En Asia y América Latina, artistas rechazaban una historia única que avanzaba de París a Nueva York. La investigación de Okamoto sobre México formó parte de ese cambio: construir un lenguaje moderno a partir de muchos archivos, no de uno solo.

Nacionalismo cultural y el mito de la homogeneidad

La crítica de Okamoto cuestionaba una corriente de nacionalismo cultural que convierte una estética en símbolo nacional. Japón ha debatido durante mucho tiempo cómo presentar una cultura compartida a sus vecinos y al resto del mundo. Estos debates se remontan a las políticas públicas de la era Meiji, atraviesan la posguerra y llegan hasta el presente. Una historia ordenada tiene un fuerte atractivo. Es fácil difundirla, pero también puede encerrar a los artistas en un guion estrecho sobre lo que parece japonés.

La historia de la cultura japonesa es compleja y rica: la poesía cortesana, el teatro, la creación de imágenes budistas, las casas de té, el humor de los comerciantes y las imágenes de los festivales populares compiten entre sí. Okamoto pidió al público que aceptara esa complejidad como una fortaleza. Las culturas, como las personas, albergan impulsos contrapuestos. Cuando predominan unos valores, otros permanecen a la espera de ser redescubiertos. Reconocer esa realidad estratificada abre espacio para nuevas obras y para una idea más amplia de lo que puede ser la identidad nacional.

Irlanda, México y las múltiples identidades de una nación

Pensemos en Irlanda a finales del siglo XX. Durante buena parte de su historia moderna, el Estado proyectó una imagen conservadora, católica y agraria. Las instituciones públicas y los medios de comunicación populares reforzaron ese marco. Por debajo persistía un legado más antiguo e indómito: relatos paganos, política radical y un deseo de sofisticación urbana. En la década de 1970, Seamus Heaney escribió poemas sobre cuerpos de la Edad del Hierro rescatados de las turberas. Esas imágenes parecían un mensaje del pasado remoto. También apuntaban a cambios que saldrían a la superficie en la década de 1990, cuando disminuyó la influencia de la Iglesia.

Pensemos en México, una sociedad que Octavio Paz describió como una fusión nacida de la conquista. La estructura del poder azteca se encontró con el fervor católico de la España de la Contrarreforma. Incluso en ese mundo español había corrientes contrapuestas: el impulso de expulsar el islam coexistía con la costumbre de asimilar conocimientos y estilos de las cortes musulmanas. México aprendió a alternar entre códigos: el orden ceremonial y la liberación carnavalesca, la imagen pública y la máscara privada. Okamoto consideraba que esa capacidad de alternar entre legados era una forma de preparación cultural para la vida moderna.

De la Expo 70 a la Expo 2025: un legado vivo

Okamoto llegó al público más amplio con la Torre del Sol, en la Expo 70 de Osaka. La escultura se eleva más de 60 metros: es un tótem cuyos rostros miran al pasado, el presente y el futuro. En su interior, un monumental Árbol de la Vida asciende por el núcleo. La obra es un manifiesto de hormigón y acero. Rechaza un estado de ánimo único. Fusiona el simbolismo primigenio con el optimismo futurista y el sentido carnavalesco del espectáculo.

Mientras Osaka se prepara para la Expo 2025, el recuerdo de aquella exposición sigue muy presente. Los organizadores esperan más de 28 millones de visitas durante seis meses. El recinto estará en una isla artificial, el tema se centrará en cómo damos forma a la vida y los diseñadores hablan de prototipos de autos voladores. Muchos residentes recuerdan la Expo 70 como la primera vez que conocieron a personas de decenas de países en un mismo lugar. La nueva exposición llega tras años de inquietud por la pandemia y de debates sobre los megac eventos. También ofrece una nueva prueba de cómo Japón se presenta ante el mundo.

Okamoto solía presentar su credo en público con una frase que pasó a la cultura popular y que aún resume su apuesta por la energía frente a las convenciones. Como creador de la Torre del Sol, se convirtió en un símbolo de la reinvención de posguerra y exhortó a la gente a romper con el gusto anquilosado y aceptar la contradicción.

El arte es una explosión.

La frase no era un llamado al caos, sino una exigencia de valentía. En un mundo de acuerdos tibios, hacen falta chispas. La Torre del Sol sigue en pie en el antiguo recinto de la Expo, como recordatorio de que el arte público puede albergar corrientes opuestas sin disculparse.

Cómo pueden trabajar con la contradicción artistas e instituciones

La lección para los artistas de hoy es práctica. Busquen en su ámbito las tradiciones que han quedado relegadas. Estúdienlas con cuidado. Pongan esas formas en diálogo con los aspectos de su formación que parecen incuestionables. Mantengan ambas perspectivas a la vista. Resistan el impulso de resolver las tensiones demasiado pronto. A menudo, las nuevas estructuras surgen de la fricción lenta entre elementos distintos.

Las instituciones tienen una tarea relacionada. Los museos y festivales pueden ampliar la idea de lo que cuenta como arte nacional al programar tradiciones olvidadas junto a referentes conocidos. Los críticos pueden describir las diferencias sin convertirlas en un sabor exótico. Los educadores pueden mostrar a los estudiantes cómo las culturas contienen debates que atraviesan los siglos. El resultado es un trabajo que se siente vivo tanto en relación con la historia como con el presente.

Lo que debe saber

• Okamoto definió el polarismo como la coexistencia creativa de elementos opuestos en una misma obra de arte.
• En 1952, instó a los artistas a mirar más allá del wabi sabi y reactivar la energía dinámica de las formas Jomon.
• Un viaje a México en 1967 lo llevó a explorar paralelismos entre el Japón prehistórico y Mesoamérica, como parte de un cambio más amplio de posguerra hacia un arte moderno global.
• La Torre del Sol de la Expo 70 encarna sus ideas al combinar imágenes primigenias con optimismo futurista.
• La Expo 2025 de Osaka se celebrará del 13 de abril al 13 de octubre. Se esperan más de 28 millones de visitas y el tema se centra en el diseño de la vida.
• Okamoto concebía las naciones como culturas estratificadas, en las que las tradiciones ocultas pueden contradecir el gusto oficial.
• Los ejemplos de Irlanda y México muestran cómo una sociedad puede alternar entre distintos legados que conviven en una misma historia nacional.
• Artistas, museos y educadores pueden aplicar el polarismo al poner tradiciones relegadas junto a otras conocidas para impulsar nuevas obras.